Définitions jeux vidéo et animation 3D

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Lexique des jeux vidéo et de l’animation 3D

 

Les métiers de l’animation 3D et des jeux vidéo impliquent souvent d’utiliser des termes techniques, propres au secteur. Ils peuvent paraître jargonneux pour les non-initiés, alors voici un lexique pour vous y retrouver !

profil rigger

Un lexique du jeu vidéo et de l’animation 3D

 

Rigging, texturing, VFX, level design : autant de terminologies et d’anglicismes qu’il n’est pas toujours aisé de comprendre lorsque l’on n’est pas un professionnel du secteur. Quand on est étudiant, certaines notions nous échappent, ou sont plus difficiles à appréhender que d’autres. Ce lexique vous aidera à vous y retrouver, et à mieux comprendre et assimiler certains termes, que vous retrouverez autant pendant votre formation qu’en entreprise.

L’objectif du lexique est de définir et traduire un terme, un métier ou une technique de façon ludique et simple, afin que vous puissiez par la suite vous la réapproprier. En simplifiant ainsi la compréhension du vocabulaire technique que vous entendrez au sein de notre école d’animation 3D et de jeux vidéo, nous facilitons votre compréhension et votre intégration dans votre futur environnement professionnel.

Bachelor animation 3D et jeux vidéo

Mastère jeux vidéo

Mastère effets spéciaux VFX

Métiers animation 3D et jeux vidéo

Sommaire

  • Storyboard
  • Character design
  • Compositing
  • Stimulation des fluides 3D
  • Game art
  • Game design
  • Game jams
  • Gameplay
  • Level design
  • Lighting
  • Logiciels animation 3D
  • Modeling 3D
  • Rigging
  • Rotoscopie
  • Scripting
  • Shading
  • Skinning
  • Surfacing
  • Texturing

Définitions jeux vidéo et animation 3D

Storyboard

Le storyboard est un élément clé des métiers artistiques. En effet, il permet de traduire, de façon visuelle, le scénario d’un film d’animation 3D ou d’une séquence d’un jeu vidéo par exemple. Il prend le plus souvent la forme d’un BD, et on y trouve les intentions du réalisateurs et les éléments marquants qu’il veut voir apparaître. Par exemple, en fonction du projet, le storyboard peut être relativement épuré et mettre uniquement en avant les personnages, les décors, les vêtements, etc.

Il peut, au contraire, être très détaillé afin de bien capter l’ensemble des besoins créatifs. Ce sont les graphistes, et les infographistes, qui donne vie au storyboard. Il est en effet primordial qu’il soit lisible et réponde aux besoins du réalisateur. C’est dans le cadre de la phase de pré-production que l’on utilise le storyboard. Il permet par la suite de définir plusieurs éléments comme les mouvements, le séquençage, le cadre, etc. Enfin, il est avant tout un outil de travail, qui peut être commenté, raturé, recommencé, ce qui peut donc servir à repenser une scène voire en ajouter ou en supprimer une.

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Character design

Pour un projet de jeu vidéo ou un film d’animation 3D, le character design va conceptualiser les personnages. Cela consiste à les créer de toute pièce : caractéristiques physiques, vêtements, cicatrices, rides, etc. Il faut avant tout imaginer les différents personnages en fonction de l’environnement du jeu ou du film (fantastique, SF, médiéval) et de leur typologie (humain, animaux, créatures). Si la character design consiste à définir et créer l’aspect physique des personnages, il assure également une certaine cohérence avec la psychologie qui leur est attribuée.

Sur mobile ou sur console de salon, on retrouve le character design partout. En fonction du public ciblé, il faut pouvoir adapter les personnages (enfants, famille, gamers) et leur démarche. Parfois dessinés avant d’être modélisés avec des logiciels d’animation 3D, les personnages sont névralgiques pour la réussite d’un jeu vidéo ou d’un film d’animation. En effet, ils peuplent continuellement l’univers et participent à l’arc narratif autant que l’histoire elle-même.

Compositing

Fondamental dans l’univers des effets spéciaux VFX, le compositing intervient lors de la phase de post-production d’un film (long-métrage, court-métrage) ou du film d’animation 3D. Motion, After Effects, Fusion ou encore Nuke comptent parmi les logiciels utilisés par les professionnels du compositing. Mais qu’est-ce que c’est concrètement ?

Le compositing permet d’assembler différents éléments visuels afin de réaliser des effets spéciaux avec un fort effet de réel. Ces éléments peuvent par exemple être des séquences d’images ou des illustrations de décors. À cela, il s’agit ensuite d’ajouter des effets qui vont venir caractériser les images : flou, lumière, particules, etc. En somme, le compositing c’est assembler plusieurs couches d’image, pour ensuite obtenir une image finale sur laquelle on va intégrer les effets spéciaux.

Parmi les actions que l’on peut effectuer en faisant du compositing, on peut citer :

  • Incrustation de fond vert
  • Animation d’éléments en 3D
  • Matte painting
  • Remappage
  • Etc.
differents effets speciaux cinema

Stimulation de fluides 3D

L’animation des fluides 3D compte parmi les techniques des métiers de l’animation 3D et des jeux vidéo. Entre technicité et créativité, cette compétence nécessite une certaine virtuosité. L’animation de fluides 3D correspond à l’animation d’éléments liquides, comme de l’eau, un océan, une rivière, de la lave qui coule. Il s’agit donc de modéliser un fluide en animation dynamique 3D : shampoing, tourbillon, etc.

La stimulation des fluides sert donc autant dans un jeu vidéo que dans un film d’animation 3D, par exemple pour créer l’environnement d’une scène, ou d’une cinématique de jeu. Cela permet de créer du mouvement au sein d’une séquence figée, ou de dynamiser un arrière-plan. Parmi les logiciels d’animation 3D incontournables pour animer des fluides, on trouve notamment 3DS Max, Maya, Blender ou encore Houdini.

Game art

Dans le monde du jeu vidéo, le game art correspond à tout ce qui englobe l’univers visuel du jeu. Le game art consiste donc à décliner la ligne graphique directrice à travers les différents personnages, les éléments matérialisés dans toutes les scènes, l’environnement, mais aussi les textures ou encore les objets.

Le Game artist participe activement à la réussite du projet et à la qualité du gameplay, car c’est lui qui va permettre aux joueurs de s’approprier l’univers du jeu vidéo et de s’y immerger pleinement. Un exemple assez représentatif d’un game art particulièrement prégnant est celui de la saga de jeux vidéo Dragon Quest. L’univers est très marqué, et l’on reconnait instantanément la patte graphique du célèbre Akira Toriyama

game art
comment devenir game designer

Game design

Le game design est le pendant du game art. Il va permettre de construire toute l’architecture des différents niveaux du jeu. Cela passe par exemple par les règles, les contraintes à respecter, mais aussi le game play, les effets spéciaux, le cahier des charges, etc. L’objectif du game design est d’offrir la meilleure expérience possible, et donc de concevoir un gameplay optimal : prise en main des personnages, articulation des quêtes, etc.

Tout au long de la production du jeu, le Game designer veille au respect des règles préalablement définies. Son rôle sera aussi de réaliser régulièrement des tests pour détecter des bugs ou des incohérences. Le Game designer est amené à interagir régulièrement avec les autres membres de l’équipe, et va s’avérer être le lien essentiel entre le game developpement et le game art.

Gameplay

On peut traduire le gameplay par l’expérience de jeu. Directement lié au métier de Game designer, le gameplay traduit l’ensemble des règles et des mécanismes qui font le jeu vidéo. L’objectif du gameplay est d’assurer une expérience de qualité, immersive et qui donne du plaisir aux joueurs. Un bon gameplay doit trouver l’équilibre entre les moments d’action, les intrigues, la complexité des niveaux, etc. Le but étant de tenir le joueur en haleine et éviter qu’il s’ennuie, soit frustré ou soit face à des incompréhensions.

C’est au Game designer que revient la tâche de matérialiser le gameplay à travers un document synthétique, qui va recenser l’ensemble des règles et des contraintes du jeu dans sa globalité. Cela entend par exemple : le type de jeu (logique, action, mmorpg), les règles propres à l’environnement et aux personnages (ennemis, caractéristiques du personnage principal), les objectifs à atteindre et les quêtes qui viennent ponctuer l’histoire, les récompenses et les trophées, etc.

gameplay
a quoi sert le level design

Level design

Le level design correspond à la conceptualisation des différents niveaux d’un jeu vidéo. En réponse au game design, il va permettre de matérialiser les règles qui ont été préalablement définies. La qualité d’un jeu est fortement dépendante de la qualité du level design. En effet, il va permettre de placer les ennemis sur une carte, mais aussi les bonus, les contenus cachés ou encore les objets constitutifs de l’environnement de chacune des scènes. Il a aussi pour vocation de permettre aux joueurs de s’approprier plus facilement le jeu.

Par exemple, si un PNJ fait une action particulière, comme jeter un objet au sol, il est fort à parier qu’il s’agisse d’une indication donnée au joueur comme quoi il va falloir ramasser cet objet pour continuer. Le level design participe à l’expérience narrative. Dans un jeu d’action, la proportionnalité des éléments du décor est décisive. Dans Call of Duty par exemple, la taille des murets pour se cacher ou les barricades sont parties prenantes de l’expérience de jeu, et doivent donc être parfaitement placées.

Lighting

Dans une production animée, jeu vidéo ou film d’animation 3D, le lighting occupe une place de choix. Il s’agit de créer la lumière parfaitement adaptée à chaque scène, séquence ou cinématique. L’éclairage a, en effet, un rôle prépondérant de ce type de création. Il va contribuer à créer une emphase sur les caractéristiques d’une scène : humeur des personnages, réalisme de l’environnement, couleur du ciel, etc. L’équilibre des couleurs est au centre du lighting, car il va directement impacter l’ambiance et la cohérence des séquences.

C’est le Lighting artist qui est aux commandes de la gestion de l’éclairage. Il va travailler à partir de plusieurs sources de lumière afin d’accentuer l’effet de réel, et donc le réalisme de la scène. La luminosité peut également être utilisée pour donner de l’importance à certains éléments : augmenter la visibilité d’un objet, faire ressortir un personnage au second plan, jouer sur l’éclat des yeux d’un personnage, se faire refléter la lumière dans un miroir ou des lunettes, etc.

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logiciels 3D

Logiciels animation 3D

Pour donner vie aux modèles 3D ou pour réaliser des techniques comme la motion capture et le stop motion, il faut maîtriser les principaux logiciels d’animation 3D. Ces logiciels sont utilisés dans les studios de production professionnels pour travailler sur de multiples projets : film d’animation 3D, jeux vidéo, modélisation de personnages, game design, effets spéciaux, etc.

Parmi les plus connus, on peut citer :

  • 3ds Max
  • Blender
  • Maya
  • Houdini
  • MotionBuilder
  • Akeytsu

Découvrez les réalisations en animation 3D réalisées par nos étudiants

Modeling 3D

Le modeling 3D est l’une des dimensions créatives des métiers de l’animation 3D et des jeux vidéo. Il consiste à conceptualiser ainsi qu’à créer des modèles 3D, à l’aide de logiciels spécialisés, comme Maya, 3ds Max ou Houdini. Le modeling 3D est une compétence recherchée sur de nombreux types de projets : industrie du jeu vidéo, cinéma, télévision, voire site internet ou publicité. Créativité rime avec technicité dans le monde du modeling 3D !

Le métier de Modeleur 3D intervient donc lorsqu’il faut créer des projets en trois dimensions. Son champ d’action est large : personnages, accessoires, décors, bref tous les assets. Son rôle est sollicité lors de la phase de pré-production. Toutes ses créations devront intégrer la ligne de la direction artistique préalablement définie lors du début du projet. Selon les types de structures, le Modeleur 3D peut être amené à travailler sur du texturing et du surfacing.

modeling 3D
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Rigging

Technique précieuse dans l’univers de l’animation 3D et des jeux vidéo, le rigging permet de contrôler l’ensemble des personnages 3D d’un projet. Qu’il s’agisse de créatures comme un dragon ou un orque, d’accessoires, ou de personnages comme des elfes, le rigging va permettre de mettre en place leur structure osseuse pour assurer leur bonne animation. Cette étape intervient en amont du travail du Modélisateur 3D, qui s’appuiera sur le travail de rigging pour animer et manipuler les modèles 3D (voiture, vaisseau spatial, porte, soldat, etc.).

La technique de rigging permet de simplifier les processus d’animation tout en améliorant l’efficacité de la production. Les réalisations d’animation, fluides ou complexes, sont directement liées à la qualité des structures osseuses réalisées lors de la phase de rigging. Le métier de rigger est particulièrement recherché pour ses compétences techniques. En effet, il est le premier maillon de la chaîne de production qui permet d’optimiser l’articulation de l’ensemble des éléments.

Rotoscopie

Utilisée dans la réalisation d’animations 3D, la rotoscopie permet de reprendre les contours d’une image réelle et de la transformer image animée. Il est possible de coller au réalisme des images initiales ainsi que d’y ajouter des effets visuels afin de personnaliser le rendu final en fonction des besoins du projet. Dans le monde des effets spéciaux vfx, la rotoscopie permet d’intégrer l’image dessinée dans n’importe quelle scène d’un film d’animation 3D, ou cinématique d’un jeu vidéo.

Utilisée avec des logiciels techniques, la rotoscopie se retrouve dans divers projets comme par exemple Valse avec Bachir ou le jeu A Scanner Darkly. À partir de cette technique, on peut faire du matte painting, qui va permettre d’assembler différentes images, ensuite regroupées avec la technique de compositing. Le matte painting s’illustre par exemple dans la célèbre saga cinématographique Star Wars.

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Scripting

Le scripting est une compétence que vous développerez lors du Mastère Jeux Vidéo. En effet, à partir de moteurs de rendu, Unity et Unreal, vous apprendrez à maîtriser l’interface de ces outils d’animation 3D essentiels à votre bagage professionnel. Avec le scripting, vous saurez développer une expérience interactive et conceptualiser tout un environnement : visite virtuelle, jeu 2D ou 3D, etc.

Un script est un programme informatique qui, une fois exécuté, permet de réaliser des actions spécifiques. Ces actions répondront justement au script qui aura été développé. Concrètement, le scripting permet de créer des actions en fonction d’une situation : si un personnage entre dans une zone A après avoir fait une action X, alors il y aura pour conséquence Y. Par exemple, si vous sortez d’un donjon après avoir éliminé un dragon, les PNJ vous applaudiront.

Shading

Le Cel Shading, ou ombrage de celluloïd en français, est une technique propre au monde du jeu vidéo. Elle permet de créer, autour de volumes en 3D, des contours et des ombrages propres au dessin. On ajoute l’image des contours obtenus au-dessus de l’image contenant les aplats de couleurs.

Parmi les jeux qui ont popularisé le style du Cel Shading : Zelda, Wind Maker avec une très forte empreinte graphique. Mais la technique se retrouve également dans des adaptations d’animés tels que One Piece, Dragon Ball ou encore Naruto.

Grâce au Cel Shading, vous pouvez donner un rendu 3D à vos modélisations 3D. L’effet est immédiat, vos créations prennent une dimension « bande dessinée». Grâce à une palette de couleurs minimalistes, les expressions des personnages ressortent davantage.

Skinning

Le skinning est une étape indispensable dans la réalisation d’une animation 3D ou dans l’univers du gaming : personnages, animaux, créatures, objets, décors, etc. Le skinning va permettre d’habiller les squelettes réalisés pendant la phase de rigging. Cet habillage consiste à attribuer aux différents personnages tous les éléments qui vont ensuite assurer leur bonne animation. Cette technique relève d’un travail extrêmement minutieux, car le moindre défaut transparaîtra lors de certains mouvements.

Généralement, l’habillage d’un modèle 3D passe par plusieurs étapes :

  • Une fois la phase de rigging terminée, le modèle osseux réalisé, le squelette est prêt. Il s’agit alors de commencer à attacher les différentes mailles au modèle.
  • Après, il faut attribuer les poids, en utilisant Skin ou Skin Morph, par exemple, pour les courbes naturelles.

Surfacing

La technique du surfacing intervient après celle de modélisation. Le surfacing va permettre de définir l’ensemble des assets qui vont intégrer le jeu vidéo ou le film d’animation : textures, matériaux qui vont habiller les personnages, décors, etc. Ensuite, vient la phase du lighting. Avec le surfacing, on améliore l’attrait visuel des différents éléments constitutifs du projet. À partir de logiciels spécialisés, on va peindre numériquement en s’adaptant au style graphique définit par la ligne artistique.

Le Surfacing artist travaille en collaboration avec le Modeleur 3D et le Lighting artist afin de s’assurer que ses créations répondent bien aux besoins du jeu ou du film 3D. Il travaille sur des logiciels tels que Maya, Zbrush, ou Photoshop pour développer l’ensemble des matériaux de surfacing nécessaires aux modèles 3D. Le Surfacing Artist interprète les différentes références visuelles comme les Concept Arts et Moodboards pour traduire en 3D la subtilité des matériaux :  du chatoiement d’une fourrure en passant par la délicatesse d’une texture de peau, jusqu’à la puissante richesse d’une roche en granit.

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Texturing

En animation 3D ou dans le jeu vidéo, le texturing consiste à développer des textures réalistes sur l’ensemble des éléments que l’on verra à l’écran : personnages, créatures, environnements, décors, accessoires, etc. Les textures peuvent, en fonction du projet, être réalisées entièrement par le Texturing artist, où à partir d’un modèle, comme des photographies, des tableaux, etc. Le texturing relève d’une grande créativité pour inventer et apporter à chaque personnage et élément du décor les textures adaptées, et fidèles à la ligne artistique.

C’est en combinant de nombreuses textures que l’on contribue à apporter une expérience immersive et que l’on évite les répétitions qui pourraient lasser les joueurs, ou les spectateurs. Le métier de Texturing artist s’exerce en collaboration avec d’autres professionnels de la modélisation 3D et des effets spéciaux. Cette compétence technique est précieuse dans un projet de création animée, film ou jeu vidéo, car le texturing offre un champ créatif illimité, où il est possible d’inventer des textures autant que de s’approcher de la réalité.

VFX

Les VFX, pour Visual Effects, évoquent l’ensemble des effets spéciaux que l’on peut utiliser dans une production audiovisuelle : cinéma, dessin animé, film d’animation 3D, cinématique de jeux vidéo, etc. L’utilisation d’effets spéciaux répond à plusieurs objectifs : donner du mouvement, dynamiser une scène, ajouter une scène qui n’a pas été filmée, intégrer des personnages réalisés par motion capture, etc. Les effets spéciaux VFX se retrouvent donc autant dans l’intégration des personnages d’Avatar dans le film de James Cameron, par exemple, que dans des scènes d’action de blockbusters, du type Aquaman ou Avengers.

Utilisés lors de la phase de post-production, les VFX peuvent être utilisés sur plusieurs phases d’un projet :

  • Maquillage,
  • Costume,
  • Image 3D,
  • Maquettes,
  • Rotoscoping,
  • Sound design,
  • Compositing,
  • Etc.

Parmi les techniques les plus connues, on trouve notamment l’incrustation 3D, où l’on intègre une image 3D à un plan vidéo. Il existe aussi l’incrustation sur fond vert, où l’on va ajouter un fond entièrement créé de façon numérique à la scène. On peut également citer le rotoscoping qui fonctionne par détourage : image après image, on détour un personnage pour n’en conserver que les formes.